Expérimenter les objets, l'espace et la mémoire avec Mona Hatoum

Comment aborder une œuvre d’art ? Remarquez-vous comment il change à mesure que vous vous en rapprochez ? Êtes-vous conscient de l’espace dans lequel il se trouve et de la façon dont cela colore votre expérience ? Qu’est-ce qui vous attire dans l’œuvre d’art et qu’est-ce qui vous rebute ? Pensez-vous à la façon dont votre corps réagit au travail ?

Mona Hatoum oui. J'ai récemment eu l'occasion de parler avec elle à Ruby City à San Antonio et elle a expliqué : « Nous expérimentons le monde à travers nos sens. Nous réagissons à tout d’abord visuellement, puis à travers le corps, puis nous commençons à rationaliser ce que cela signifie… donc j’aime que [le spectateur] soit soit attiré, soit repoussé, ou qu’il fasse d’abord l’expérience de l’œuvre à travers son corps… plutôt que ce n'est qu'un stimulus intellectuel. Je veux que [mon art] travaille à tous ces niveaux, physique, mental, émotionnel et spirituel également. Je veux une expérience riche… Et les œuvres qui réussissent sont celles qui font cela, qui subissent peut-être une transformation quand on les regarde.

Depuis que j'ai découvert le travail de Hatoum pour la première fois, au début des années 2000, je l'ai pensé uniquement comme une installation ou une sculpture. Mais pour une artiste dont la pratique est ancrée dans la performance, il n'est pas surprenant qu'au-delà des objets qu'elle crée, Hatoum considère toujours l'expérience phénoménologique du spectateur. Je n'ai commencé que récemment à étudier formellement la phénoménologie, et il y a vingt ans, lorsque je suis entré en contact avec l'œuvre de Hatoum, même si je n'avais pas le vocabulaire pour en parler, j'ai pu constater son effet viscéral inhérent. Quand j'étais plus jeune, alors que j'étudiais l'art, je me voyais très peu représentée dans les programmes d'études artistiques et les collections des musées, et bien que Hatoum et moi soyons très différentes culturellement, j'ai découvert d'autres manières une parenté avec son art : en partie en tant que femme travaillant dans un monde de l'art traditionnellement dominé par les hommes, mais aussi dans son approche de la matérialité et son mélange de matériaux « doux », comme le sable, le coton, les objets ménagers, et de matériaux « durs », comme l'acier et le bois.

La première œuvre que j'ai vue de Hatoum était sa sculpture cinétique + et – de 1994, exposée à la Maison Rachofsky au début des années 2000, alors que j'étais étudiant de premier cycle à l'Université du Texas à Dallas. Une boîte de trois pouces de haut et mesurant près de 1 pied sur 1 pied, elle est petite, simple et sans prétention. La boîte contient une fine couche de sable qui est constamment ratissée et aplatie simultanément par un bras métallique motorisé tendu sur la pièce, tournant pour créer un motif circulaire. Peut-être s'agit-il simplement de mon souvenir de l'œuvre et de l'expérience singulière et hors du corps que j'ai vécue avec elle, mais je me souviens qu'elle était silencieuse tandis que le bras métallique travaillait dur, traçant sans cesse des lignes dans le sable et les effaçant pour toujours dans le sable. même mouvement. J’ai été fasciné par la sculpture – à la fois par la simplicité superficielle des matériaux utilisés et par ses fondements poétiques plus profonds.

Mona Hatoum, « + et - » (édition 9 sur 14), 1994, bois dur, lames d'acier, moteur électrique et sable, 3 x 11 1/2 x 11 1/2 pouces. La collection Rachofsky.

Au fur et à mesure que je reviens vers + et – au fil des années, avec de nouvelles perspectives et expériences, la pièce change continuellement. Quand j'étais un jeune adulte et que je voyais le monde avec des yeux idéalistes, je pensais qu'il était question d'équilibre, d'équilibre et d'harmonie. À travers une vision plus blasée et plus avertie du monde, cela se lit comme la futilité et l’inéluctabilité du travail dans nos vies à mesure que le temps passe, indifférent à l’individu. Pourtant, plus récemment encore, au début de cette année, lorsque j'ai découvert l'œuvre au Dallas Museum of Art dans le cadre de l'exposition Movement: The Legacy of Kineticism, lors d'une conversation avec la vidéo de Ricci Albenda, Panning Annex (Albert), + et – a suscité de nouvelles considérations liées à la déstabilisation et à la resttabilisation. Quelles que soient les pensées évoquées par la pièce, elle s’accompagne toujours d’une sorte de calme et d’acceptation. Je peux me tenir devant et sentir mon cœur battre et respirer lentement.

Bien entendu, le travail englobe toutes ces choses et bien plus encore. Hatoum m'a dit : « Pour moi, c'est le yin et le yang, le positif/négatif, la construction/la destruction, ce sont des cycles… des cycles de toutes sortes, des cycles de la nature, des cycles de guerre et de paix, des cycles de vie, toutes ces choses… mais c'est venu. en m'exposant à des lectures de philosophie orientale… [en découvrant] les forces de la nature et comment elles travaillent toujours les unes avec les autres et contre les autres. Il ne peut y avoir de jour sans nuit, ni de lumière sans obscurité. »